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Syphilitic Vaginas – Complete Studio Collection (2008)

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Personne ne sait si ils sont Suédois ou bien Japonais, ce qui est sûr, c’est que dans un cas comme dans l’autre, SYPHILITIC VAGINAS rend hommage au Hardcore Japonais d’une fort belle manière en reprenant le flambeau là où G.I.S.M. et Zouo l’ont laissé vers la fin des années 80: en pleine migration vers
le Heavy et le Speed Metal de badass !

Cette compilation comprend donc l’ensemble de leur carrière sortie avant 2008, que ce soit les albums, les splits et les EPs, tout y est, et c’est servi sur un plateau en argent qui brûle les doigts dès qu’on pose la main dessus. Juste dommage de ne pas y trouver Alpha Antichrist et quelques projets sortis par la suite donc, mais bon, on ne va pas se plaindre vu que tout ce matériel est de toute manière out of print depuis longtemps.

SYPHILITIC VAGINAS est le groupe de « Speed qui Black » ultime, c’est simple, leur recette est excellente, leurs riffs sont destructeurs et on en trouve pas deux pareils. C’est assez rare pour les groupes du genre de ne pas faire dans la redite, mais vraiment, chaque morceau est une tuerie et se remémore facilement, assez incroyable vu la quantité de titres présents sur cette compil’ et leur durée. Ou peut-être est-ce là leur secret…

D’entrée de jeu, on est prévenu, « Inferno Rider » sonne comme une version sur-protéinée du premier Bathory, ça tranche dans le lard, c’est incisif, et c’est d’un fun indescriptible. Les influences du groupe sont évidentes et faciles à reconnaître pour qui touche de près ou de loin aux différents genres abordés, il y a du G.I.S.M., du Zouo, du Venom, une forte dose de Motörhead et du speed metal dans la veine d’Exciter ou Oz. Loin de ne faire jouer que la carte de la nostalgie ou du worship, ces malades imposent leur patte en mélangeant tout ça pour obtenir un son dopé à la TNT chargée dans un M-16 qui fait mouche à tous les coups.

Ce serait compliqué de prendre quelques morceaux au hasard tant il y a de tubes, mais avec des bombes comme « Motor Demon », « Possessed To Fuck », « Command Us Satan » et son chant Heavy débraillé, ou encore « Making Love With Devil », parfaite cover de Zouo, il y a de quoi casser la baraque à maintes reprises pendant 1h20 de surpuissance nucléaire. L’ensemble de leur disco s’enchaîne, mais les coupures ne gênent aucunement l’écoute, on passe d’un album à l’autre sans temps mort ni changement de son trop brutal, le groupe n’ayant de toutes manières jamais vraiment changé sa recette et sorti que des albums de très courte durée. Et puis, avec si peu de sorties, pourquoi chercher à se renouveller quand à chaque fois on en redemande plus arrivé au dernier morceau ?

Cette Complete Studio Collection a également le mérite de proposer une qualité audio au top vu son pressage CD, le restant de leur matériel n’étant dispo qu’en LPs, très compliqués à trouver de nos jours, c’est plus qu’une alternative de choix pour avoir l’essentiel du groupe sous la main doublé d’un son irréprochable. La prod, parlons-en: tout ce qu’on peut rêver dans le genre. Ca crépite, ça grince, c’est saturé à l’extrême mais mixé à la perfection, aucun instrument ni la voix ne prennent le dessus sur le reste, ça aurait pu sortir dans les années 80 qu’on l’aurait cru sans problème. Un son qui a du charme et reproduit donc, encore une fois, avec beaucoup de soin l’expérience que pouvait procurer une bonne platine et une collec’ de vinyles 25 ans plus tôt.

Je termine enfin pour dire que si vous cherchez un album décomplexé, headbanguant au possible et mélangeant parfaitement Black et Speed Metal, vous êtes en face de l’ultime référence dans le genre. On a pas fait mieux avant, on fera difficilement mieux plus tard. Plus qu’une simple compilation, cet album est un must-have pour les fans des sous-genres cités et les Thrasheurs aux dents longues, ou simplement ceux qui veulent se défouler un bon coup en poussant le son à fond.

SYPHILITIC VAGINAS l’a fait, leur discographie est un monument de fun sans précédent, et la
Complete Studio Collection le prouve bien. Indispensable ? Mais totalement putain.

Achetez-le, volez-le à un pote, ou téléchargez-le, j’en ai rien à foutre, mais ne mourez pas sans avoir headbangué sur « Armageddon Buttfuck » au moins une fois dans votre vie. C’est votre maman qui sera contente, bon petit !

Cet album devrait être remboursé par la sécu tellement il fait du bien.

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Anathema – Weather Systems (2012)

Ça y est ! Les Anglais sont de retour et plus vite que prévu avec un nouvel album et… Qui ça ? Bah Anathema évidemment ! Pour la petite histoire, la formation emmenée par les deux frères (maintenant trois) Cavanagh a évolué du Death Doom Metal (dont il est un des pionniers avec des groupes comme Paradise Lost, Katatonia, My Dying Bride), à du metal gothique (leur période de gloire : Alternative 4, Judgement) et est désormais le groupe de rock progressif/alternatif qu’on connaît aujourd’hui.

Avant de revenir en 2010, Ils ont tout de même eu une grosse période d’incertitude suite à la suppression de leur label (Music For Nations) et n’a sorti aucun album pendant 7ans après un A Natural Disaster très mélancolique et abandonnant presque toute notion de Metal.

La surprise fut donc grande quand We Are Here Because We Are Here (oui ce titre d’album est vraiment naze à chier) fut finalement définitivement confirmé après moult reports en tout genre. Les frères étaient revenus, avec en plus une tournée énorme (sans doute mon plus beau concert), et avec un album… très étrange.

Anathema, même s’il avait abandonné le metal petit à petit était toujours resté très dépressif, en témoigne A Natural Disaster triste et ultra-nostalgique d’un bout à l’autre. Leur nouvel effort de 2010 est quant à lui très… optimiste ! Lumineux, au son clair, plus organique, les paroles très rarement « tristes » ou alors de façon aussi positive (Angels Walk Among Us).

L’album n’était évidemment pas une ode à la joie, la musique est nostalgique, mélancolique, mais Anathema semble enfin voir la lumière au bout du tunnel, donnant à sa musique un nouvel ingrédient qui a rebuté de nombreux auditeurs.

Le nouveau bébé des Cavanagh ne revient pas en arrière… Cela veut-il dire que ceux qui ont détesté We Are Here… ne vont pas aimer le dernier ? Ce n’est pas dit…

Nos amis les Rouquins (ils sont roux, évidemment, ils viennent d’Angleterre /racisme off) ne sont des paresseux et changent leur formule à quasiment tous les albums. Anathema réitère donc avec un album optimiste mais vachement mieux dosé et très différent.

Eh oui, le mélange Lumière/Nostalgie/Mélancolie/Espoir donne souvent naissance à des morceaux hybrides commençant dans la tristesse et finissant dans la « joie » et vice/versa, le groupe jouant beaucoup avec les crescendos. Et comme dans We Are Here, certains morceaux aux mélodies pourtant déprimantes ou apaisantes ont des thèmes définitivement optimistes.

Même si certains titres ne font pas de compromis dans les sentiments, l’impression de dualité persiste tout au long du disque : The Gathering Of The Clouds, triste, grandiloquente s’emboîte dans Lightning Song ,la chanson la plus « joyeuse » du groupe, il suffit de tendre l’ oreille vers les paroles. Le son sur ce morceau donne aussi une impression de « rayon de soleil », de chaleur, de renouveau, un peu à la Thin Air ou à la Dreaming Light, le chant féminin très puissant et évocateur renforce cette ambiance typique des derniers Anathema.

Cette dualité on la retrouve sur presque tous les morceaux, et à tous les niveaux. The Storm Before The Calm, au départ singulier pour le groupe, un peu (vraiment UN PEU) électro, avec une mélodie entêtante qui monte, monte… Et puis s’arrête dans un grésillement. La deuxième partie redémarre dans un registre classique, mais qui va aussi monter en crescendo, de la tristesse vers la lumière…

Un point qui risque de fâcher par contre, c’est le chant… Car Vincent Cavanagh laisse de plus en plus de place à la chanteuse Lee  Douglas qui chante intégralement Lightning Song, qui apparaît sur presque tous les morceaux à l’exception de The Beginning And The End et Untouchable Part 1. Ca m’a un peu chiffonné lors de mes premières écoutes, j’adore le chant de ce foutu rouquemoute, mais force est de constater que la Dame se débrouille très bien dans tous les registres : elle insuffle la lumière de Lightning Song, donne toute la mélancolique de Untouchable Pt. 2, et fait des merveilles quand elle chante en duo. Mais malgré tout (et sans sexisme), il faut bien avouer que tant de chant féminin donne un aspect parfois très niais à la musique, mais rassurez-vous, Weather Systems sent vraiment beaucoup moins la guimauve que We Are Here…

Pour refaire une comparaison avec le précédent skeud, qui était très progressif et très atmosphérique, WS renoue avec des moments plus « puissants », le single The Beginning and The End qui commence calmement mais qui explose bien vite, Cavanagh crie presque son  « Silence Is Raging », ou encore sur The Storm before The Calm, où il s’époumone « This Is Fucking Insane » avant une reprise fracassante des violons et de la guitare. Ce n’est peut-être pas grand-chose comparé à Violence, Judgement ou Pulled Under at 2000 metres a second, mais ça reste très agréable, et ça manquait beaucoup à son prédécesseur.

Les gars de Liverpool ont peut-être abandonné le metal, mais ont rajouté de nouvelles choses depuis A Natural Disaster : un aspect atmosphérique qu’on retrouve ici sur un duo final de chansons très belles (The Lost Child, la seule chanson entièrement triste de l’album) et Internal Landscapes qui démarre sur un spoken word d’un vieil homme expliquant son Near Death Experience pour partir sur un morceau très calme, très optimiste (surtout au niveau des paroles), pour se fermer comme il a commencé.

La petite « nouveauté » que j’ai remarqué dans cet album c’est peut-être… une sorte de grandiloquence : beaucoup de violons, un chant plus maniéré, des effets mélodramatiques plus présents, je pense à The Gathering Of The Clouds, avec l’orage en intro, les violons, le duo de chant très puissant… C’est quelque chose qu’on n’avait pas souvent vu dans les précédents Anathema mais qui pointe de son nez dans WS.

Les frères Cavanagh démontrent encore une fois leur talent au travers d’un disque, qui certes, reprend la dualité mélancolie/espoir du précédent,  mais en lui insufflant des nouveaux éléments, et surtout avec un dosage judicieux. L’album est un miroir de presque tous les sentiments possible à l’écoute de la musique, et s’écoute d’une traite sans aucun problème grâce à son double-visage. Ce disque il représente un peu « le beau », comme peut l’être un couché de soleil magnifique sur une belle journée, ou ce genre de conneries d’un poète improvisé de skyblog.

Anathema a changé, Anathema a évolué, mais Anathema en a toujours sous le capot, et Weather Systems est un très très bon album et il risque encore de tourner beaucoup !

Sepultura – Chaos A.D. (1993)

SEPULTURAChaos A.D. (1993)

Allez, je craque mon slip sur celui-ci et je rédige une critique très élogieuse en sachant parfaitement que je ne suis pas tout à fait objectif vis-à-vis de cet album, et que de toutes manières je ne pourrais jamais l’être.

Chaos A.D. est en fait le premier album de Metal que j’ai écouté. Je m’en souviens comme si c’était hier, je devais avoir 6 ou 7 ans, ma sœur possédait des tas d’albums de qualité variable, et notamment pas mal de vieux classiques Thrash / Death mainstreams et connus. Ce Chaos A.D. est passé dans mes oreilles un nombre incalculable de fois. Sur le poste quand j’étais à la maison, sur walkman quand j’étais en voiture, bref, je ne le lâchais pas.

Là vous vous dites qu’écouter du Metal quand on a 7 ans, c’est pas banal, mais je n’exagère vraiment pas, j’adorais ce disque, et pas seulement pour « la violence ». « Refuse/Resist » sonnait déjà pour moi comme un putain de tube, « Kaiowas » une curiosité toujours aussi intéressante aujourd’hui, et « Manifest » un vrai hymne au Headbang. Je ne savais pas ce que c’était à l’époque, mais bon, oui, j’Headbangais sur Sepultura bordel de dieu ! J’aurai pu tomber sur Korn, Limp Bizkit et pleins d’autres merdes en vogue vers la fin du second millénaire, mais non, c’est bien les Brésiliens qui ont retenu mon attention et je ne saurais jamais assez les remercier pour ça.

Chaos A.D. est souvent perçu comme le passage « sellout » de Sepultura, globalement très apprécié, mais néanmoins considéré comme le début de la fin. On est loin de Roots attention, mais on sent que le groupe cherche à toucher un public différent, peut-être plus large, et à verser un peu d’eau dans son vin. Pour ma part, grand bien leur en a pris, n’étant pas un grand amateur d’Arise, ce changement de direction passe beaucoup mieux chez moi, et ce n’est pas peu dire. Nostalgie mise à part, j’aime vraiment beaucoup cet album et considère toujours que c’est l’un des disques de Thrash les plus intéressants des 90’s.

La belle époque où Sepultura était encore considéré comme un grand groupe, et non un Running-Gag.

 

D’ailleurs, Thrash, Groove, qu’est-ce qu’on écoute ici ? Un peu des deux, mais attention, pas du Groove de pédale à la Lamb of God, ah non, le Groove qui bave bien et ferait trembler un éléphant. L’album reste tout de même majoritairement Thrash à mon humble avis, des titres comme « Manifest » (cette intro bon sang !), « Propaganda » ou « Biotech is Godzilla » ne font que confirmer cette impression. De l’autre coté, Sepultura ralentit le tempo avec brio sur « We Who are Not as Others », « Territory » ou l’excellente reprise de New Model Army, « The Hunt ». Le travail rythmique sur l’album est franchement monstrueux, les frangins Cavalera sont en grande forme et ça s’entend. En résulte un album où toutes les pistes prises indépendamment s’avèrent intéressantes, certaines plus que d’autres, mais la redondance n’ose même pas pointer le bout de son nez.

Les Brésiliens ont réussi leur coup, Chaos A.D. est un virage négocié avec succès, mais qui mènera malheureusement sur une route bien déserte dans le futur. Peut-être auraient-ils mieux fait de faire demi-tour ? On ne peux pas totalement leur en vouloir d’avoir proposé sur chaque galette une expérience différente, Sepultura était l’un des très gros espoirs du Metal en cette période, leur notoriété n’a fait qu’accentuer les espérances des auditeurs de l’époque, mais la chute n’en a été que plus difficile pour eux. Chaque groupe connaît un passage à vide un moment ou un autre, pour Sepultura, tout est parti de travers, leurs racines ont pris une place prépondérante dans leur musique, les tensions internes ont menées à un semi-fratricide et la rage d’antan s’est éclipsée au profit d’un… de quoi en fait ? J’en ai franchement rien à foutre pour être honnête, le groupe signe ici son testament, de fort belle manière, et c’est bien tout ce qui m’importe.

Chronique pas forcément objective mais j’en suis bien conscient, pour le reste, c’est à vous d’en juger. Pour cela je ne peux que vous conseiller de vous repencher sur ce disque, qui malgré la controverse, est, et reste un des albums majeurs du Metal des 90’s.

[youtube.com/watch?v=0K4J90s1A2M&ob=av3e]

Danzig – Danzig IV (1994)

DANZIGDanzig IV (1994)

Cet album est la preuve qu’une écoute n’est pas suffisante dans beaucoup de cas pour pleinement saisir l’intérêt d’un disque ou du travail proposé par un musicien: je trouvais cet album particulièrement long, pénible et sans inspiration à ma première écoute. Danzig serait-il hors système ? Ce quatrième album ne serait-il pas un pas de trop pour le colosse ? Hé bien non, fausse alerte !

Danzig IV est une continuation normale du précédent volume, la musique du groupe change, les années aussi, et le son s’en retrouve amélioré, modifié, plus complexe… Les tempos sont plus lents, les mélodies plus intimistes, le coté Heavy moins marqué… Danzig n’a pas viré Doom pour autant, ni même Gothic, mais s’en rapproche dirais-je. « Little Whip » illustre à merveille cette nouvelle direction artistique, moment fort de l’album pour ma part.

Line-Up d'origine du groupe.

L’album entier gravite sur un rythme très posé, les compositions sont bien plus softs que par le passé, parfois même étonnantes ou dérangeantes, « Sadistikal » n’aurait par exemple pas volé sa place dans la bande-son d’une production Porno-Gore distribuée sous le manteau. Oui oui, rien que ça. Pour le reste, « Stalker Song » fait partie de mes morceaux préférés avec un Danzig plus convaincant que jamais dans un registre « blasé badass » que j’apprécie particulièrement chez lui.

Faisons abstraction des 15 prochaines années pour le groupe, assez noires et creuses, et regardons ce quatrième opus comme une très belle façon de boucler la boucle: Danzig ne sortira plus d’albums aussi convaincant jusqu’au récent Deth Red Saboath et nous livre ici son travail le plus intimiste, sombre, et nébuleux. Le genre de disque qui accompagne parfaitement un matin pluvieux, gris et maussade.

Mais de la bonne façon, heureusement.

Opeth – Heritage (2011)


Beaucoup de fans ont sonné l’alarme en voyant la pochette de ce nouveau Opeth. Un artwork résolument 70’s ; un arbre avec la tête des membres du groupe, celle du claviériste qui tombe (eh oui le bonhomme a quitté le navire), les racines qui se plantent dans les enfers, et une ville en flamme dont s’enfuient les habitants… On savait que le leader du groupe suédois adorait ces années là, maintenant on ne peut plus en douter.

C’est donc avec logique que ces mêmes fans ont été déçus quand ils ont appris que la musique, à l’instar de la pochette, serait un hommage aux 70’s : pas de death , Mikael dit dans les interviews que ça l’emmerde de growler et qu’il rêvait de pondre ce Heritage depuis ses vingt ans. Un Mikael qui dit aussi qu’il se moquait si les fans ou non aimaient, un Mikael heureux de réaliser son putain de rêve.

Mais un compositeur heureux ne veut pas forcément dire une fanbase heureuse, par exemple, David Vincent est fier de sa dernière grosse merde sonore, et il est sourd aux fans qui protestent sur internet. Est-ce que Mikael auraient-ils les chevilles qui enflent ? Est-ce qu’il fait sa crise de la quarantaine ? J’en sais rien mais en tout cas, il fait pas encore payer ses autographes comme Wilson le fait!

Mikael, un homme bien entouré.

Le virage d’Opeth n’est pas non plus la chose la plus brutale de l’histoire de la musique, c’est pas aussi fort que Celtic Frost qui s’est mis à faire du Glam Gay. Les 70’s étaient bien là dans Damnation (même si légèrement), dans Ghost Reveries, et surtout dans Watershed, album où toutes les pistes (à part Heir Apparent) avaient cette touche old-school dans la production et dans les structures…

Heritage comme son titre l’indique, est un disque qui mélange toutes les influences de ses vieux et vénérables groupes dans une grosse marmite en rajoutant l’épice Opeth. Et ouais, même si le growl est parti, que presque tous les gros riffs se sont fait la malle, on reconnait encore entre mille la patte du groupe. Enfin, c’est difficile à dire : sur ce disque Opeth n’est plus Opeth car il abandonne presque toute sa noirceur (même présente sur Damnation), il abandonne son état d’hybride qui lui a rapporté tant de fans… Mais Opeth reste tout de même Opeth : toutes les caractéristiques du son, les gimmicks, le chant, pas mal de mélancolie, des paroles personnelles…

La musique proposée est souvent calme (entendez par là que c’est du rock progressif, pas que c’est de l’ambient), du piano (intro et outro), quelques percussions, de la flûte (uniquement sur Famine), quelques petites expérimentations qui font plaisir (la venue clavier/guitare sur Nepenthe). Le disque propose quelques explosions bien senties, des ponts musicaux typiques au groupe, l’ambiance sur les longs morceaux est fortement comparable à celle présente sur Watershed. Les morceaux Metal se font rares : ils sont deux, et ce sont les plus courts : Slither, définitivement un Deep Purle Like, et The Lines in My Hand proposant une ligne de basse/batterie foutrement bonne, bien que ce morceau soit loin d’être énervé.
Le meilleur morceau de ce disque reste Folklore, tout à fait bien géré et dont l’outro fait partie d’un des meilleurs moments de l’album

Ce nouveau Opeth est loin d’être chiant comme certains ont pu le croire : les 70’s vues par Mikael reste une expérience fraiche et intéressante proposant son lot de bonnes idées, et comme chaque Opeth (à part Damnation), il faut dompter un minimum le disque pour l’apprécier. Mais l’émotion palpable du groupe durant presque toute la carrière s’effiloche, s’efface au profit de morceaux plus complexes, et en dehors de l’outro de Folklore et de quelques passages, le disque ne montre plus autant de sentiments qu’avant, et perd encore un peu de sa personnalité.

Akerfeldt se fait moins touchant dans sa prestation vocale : dans presque tous ces albums, son chant clair était souvent émouvant (Damnation, Burden, To Bid You Farewell) ou se mélangeait à merveille avec le chant Death (Still Life et Blackwater Park étant l’apogée de cet exercice de style), ici Mikael, même si agréable à l’oreille, est parfois fortement… plat! Häxprocess est le meilleur exemple, le moins bon morceau de Heritage ; ça peine à décoller, le chant n’aide en rien, et le seul moment ‘émouvant’ est avorté au profit d’un pont progressif raté.

Que dire de plus ? L’album qui est un virage naturel dans la musique du groupe : un hommage à ces groupes dont l’héritage est toujours présent dans la musique d’aujourd’hui. C’est du Opeth assurément, avec son lot de bonnes idées, ses gimmicks, sa production, Mikael réalise donc son rêve en gestation depuis, à l’en croire, une vingtaine d’années. C’est une galette mature et bien exécutée, mais en passant, le groupe abandonne une trop grosse partie de son identité, la technique et la maitrise de son sujet donnant lieu à une certaine stérilité musicale à de bien nombreux moments. Heritage est loin d’être naze, il est même bon, parfois très bon, mais il reste à mes yeux le « plus mauvais » Opeth (avec Ghost Reveries) pour toutes ces raisons.

Au final, c’est une bonne chose que Mikael ait fait ce disque : j’espère qu’Opeth en restera là avec les 70’s pures, et qu’il saura à nouveau évoluer vers quelque chose de nouveau, de frais, et d’original, sans pour autant laisser une si grosse partie de son identité derrière lui. Heritage est une bonne expérience et un virage intéressant mais ils doivent bien garder à l’esprit qu’un deuxième essai de ce genre restera certainement au travers de la gorge de nombreux fans.

Lou Reed & Metallica: The View (Single)

J’aurais voulu y croire. Après tout, l’idée avait le mérite d’être surprenante.

Mais, non, remettons les pieds sur terre quelques instants. J’aurais sincèrement voulu croire qu’en 2011, Metallica se serait enfin rendu compte de sa perte de crédibilité auprès des amateurs de musique et plus spécialement sa vraie fanbase (Comprenez par là que xXJérémyBossXx n’y figure pas), mais non, c’était trop demandé venant de la part du groupe le plus puissant au monde.

Une fois de plus, Metallica m’a déçu, et Metallica décevra. Tel est le constat que l’on peut en tirer ce jour-même en découvrant enfin le single entier « The View » extrait de la future collaboration entre Lou Reed et le groupe, bêtement nommée « Lulu ». Déjà, rien que le titre on a l’impression d’être pris pour des cons, je ne sais pas trop, une impression comme ça. Mettons ça sur le dos du concept, après tout, le titre n’est pas encore expliqué, du moins pas clairement. Bref, que dire ?

Les previews s’avéraient déjà fumeuses, le single en lui-même met le feu au pétrole et fait brûler les débris qui résistaient tant bien que mal à l’effet du temps. On a du mal à croire que les auteurs de cette mauvaise blague ont respectivement sorti des albums comme « Transformer » ou encore « Ride The Lightning ».
Comme d’habitude, les plus têtus tenteront tant bien que mal de se convaincre que non, c’est pas si nul, et que c’est même plutôt intéressant cette prise de risque, alors qu’au fond on est tous bien conscients que cet album sentira sûrement le sapin, mais ça c’est juste pour couvrir l’odeur déjà plus dérangeante qu’il reflète réellement.

Je ne vais cela dit pas trop m’avancer, d’une part car cet article concerne uniquement le Single, et d’autre part car personne ici n’a entendu l’album sus-cité en entier.

 

« The View » est donc une supercherie. Le problème, c’est que ce titre a été choisi comme premier Single de « Lulu ». Ce qui laisse entendre que c’est donc normalement l’un des meilleurs titres… Et là ça fait vraiment peur.
Que ce soit la performance de Metallica comme de Lou Reed, l’intégralité du titre fait peine à voir, que ce soit en terme d’inspiration comme de technique. Un mono-riff, un rythme ultra plat (Lars Ulrich strikes again !), un chant en opposition totale avec la musique proposée… La cohérence est tout simplement absente.

Lou Reed délivre une interprétation fade, sans saveur, presque fatigante et comme dit plus haut, hors de propos. Hetfield lui, se contente du minimum et supporte le titre lors des rares passages dynamiques, en nous racontant qu’il est « The Table » ( ??? ), et d’autres conneries de ce genre. Robert Trujillo, je n’en parlerais pas, tout simplement car je suis à peu près certain que lui-même n’est pas au courant qu’il joue dans Metallica, et pour Ulrich, je préfère me taire sous peine d’être grossier. Je vous invite simplement à écouter avec attention sa participation sur le dit Single, vous en tirerez vous-même la conclusion…

En attendant, depuis le début des previews, que ce soit les fans bornés ou ceux qui prennent plus de recul face à un groupe souvent polémiqué, l’ensemble des auditeurs semble désappointé et surtout en colère, la barre de Dislike sur les vidéos officielles des previews parle d’elle-même. Cela me rappelle une récente histoire, avec un groupe de Death Metal pourtant censé représenter l’apogée du genre… Héhé.

 

En résumé ? Une structure rébarbative, une technique absente, un manque d’envie flagrant, une inspiration proche du néant, décidément, Lou Reed & Metallica, c’est pas le grand amour, on se demande donc pourquoi ces deux-là ont copulé bourrés autour d’une Heineken bon marché un soir d’Hiver. Sûrement un pari stupide tiens. En attendant, pour nous les fans, il ne nous reste que les yeux pour pleurer…

Heureusement qu’on a de l’entraînement depuis 15 ans hein !

PS: Vous remarquerez que j’ai même pas fait de blague nulle du genre « Loutallica » ou « Metallouca » ou encore même « Metallilou ».

 

Vierge de Fer, Petit Journal et crampes d’estomac [Live Report]

Peu de gens peuvent se lever le matin en se disant, à l’instar d’un Will Smith, « Je suis une légende ».  Et pourtant, c’est une réflexion que les six britanniques d’Iron Maiden ont du se faire plus d’une fois. Et ce lundi 27 juin 2011, à 19 ans,  j’ai rendez-vous avec la légende.

Iron Maiden, c'est l'assurance d'un grand show avec de grands moyens.

Évidemment, je suis en droit de me dire que je suis né trop tard, que le dernier album de la Vierge de Fer, l’ennuyeux « The Final Frontier », est loin d’être terrible, que ce concert s’annoncera très carré, trop peut-être, que la proximité avec le groupe (chose qui m’est chère) ne sera évidemment pas de la partie, mais toutes ces remarques froides ne pèsent pas un gramme face à l’enthousiasme qui me saisit et ne me lâche pas en cette caniculaire fin d’après-midi, tandis que je retrouve l’ami KID66 pour me rendre avec lui au Palais Omnisports de Paris-Bercy, nous faufilant à travers un Châtelet au-delà du saturé et absolument étouffant de chaleur.

Une fois sorti du métro, difficile de s’y tromper : on y est ! Chevelus dans tous les sens, gueulant de leur mieux en guise de signe de ralliement, des bouteilles / canettes de bière absolument partout sur les marches de Bercy… tandis que je fais la queue, des fans de Maiden apparaissent au balcon du Novotel juste en face de la salle, et brandissent un drapeau anglais, ce qui suscite une vive réaction de la part de la file d’attente.

Une fois rentré, c’est l’émerveillement : je n’avais encore jamais fait de concerts à Paris-Bercy. Bah putain, c’est quand même assez renversant, la clameur de cette foule titanesque, tout autour de moi, où que je tourne les yeux : à droite, à gauche, derrière, la fosse devant moi… je prends même une à deux minutes pour reprendre mes esprits et tenter sereinement de trouver une place avantageuse dans la fosse. Après m’être assuré au passage que la première partie était bien passée (le fils à Dickinson, merci bien hein !), je trouve une place et commence à littéralement piétiner d’impatience.

Les lumières s’éteignent plus rapidement que prévu et là, les tripes se resserrent… au sens propre, en fait, puisque j’en viens au premier problème qui m’a gêné pendant le concert : mon estomac ! Celui-ci m’a en effet incroyablement fait souffrir pendant la quasi-intégralité du concert. Rien à voir avec le concert proprement dit, donc, mais à cause de coup du sort, je n’ai pas pu profiter du concert autant que j’aurais voulu. En deuxième moitié de concert, ça deviendra même vraiment douloureux et je suis obligé de me courber en deux toutes les cinq minutes. C’était vraiment pas le jour pour ça.

Enfin, ceci étant mis de côté, je n’ai pas grand-chose à redire sur le show en lui-même : c’est certes carré et très préparé, mais ça n’empêche pas Dickinson de se fendre de quelques interventions dans un français pas mauvais du tout. Ça joue bien, le son est extrêmement fort (les bouchons d’oreille m’ont été bien utiles, pour le coup) mais assez bien équilibré. Chaque musicien trouve sa place dans le mix. Niveau setlist, pas mal de titres des années 2000 (dont cinq du dernier opus, qui passent un peu mieux sur scène qu’en studio), mais pas des moindres : « The Wicker Man », « Blood Brothers », « Dance Of Death »… de bons morceaux bien fédérateurs, avec de nombreux « wooooh wooooh » à la clé, et d’épiques duels de six-cordes, menés de mains de maîtres par le trio de guitaristes.  Côté GRANDS classiques intemporels, nous avons « Two Minutes To Midnight » en début de concert, « The Trooper », « The Evil That Men Do », « Fear of the Dark », et en rappel, « The Number of the Beast », le divin « Hallowed Be Thy Name », « Iron Maiden » ou encore « Running Free ».

YOU TAKE MY LIFE BUT I'LL TAKE YOURS TOO !

Niveau visuel, le paquet a été mis (mais on en attendait pas moins d’Iron Maiden) : intervention d’un Eddie comme sur la pochette de The Final Frontier pendant un morceau, un buste géant d’Eddie qui surgit du derrière de la scène, avec ses yeux rouges qui percent la semi-pénombre de Bercy…  dans un registre moins surprenant, on retrouve toujours Bruce habillé en soldat anglais, agitant un drapeau de la même nationalité de toutes ses forces pendant l’incontournable « The Trooper »…  du grand show !

En un mot comme en cent, et en mettant mon fâcheux problème gastrique de côté, je dirai que voir Iron Maiden, c’est comme n’importe quel concert, mais avec les avantages (comme les inconvénients) multipliés par dix. Les avantages, c’est le côté fédérateur du show, l’ambiance dans la foule (ça sautait et pogotait un peu partout, même les spectateurs en gradin étaient en ébullition), l’aspect grand spectacle. Les inconvénients, ce sont la proximité avec le groupe hélas réduite, l’immensité de la foule, le côté prévisible du concert. Mais malgré tout je n’arrive pas à faire le difficile, et me suis régalé.

Anecdote amusante:  en sortant, j’aperçois une équipe technique de Canal +. Une caméra et un micro. J’ai tout de suite compris que ces deux individus étaient là pour couvrir l’événement pour le Petit Journal de Yann Barthès, sans doute pour faire une nouvelle fois passer les metalleux pour des demeurés primitifs et brutaux (je me souviens, non sans une certaine émotion, du « reportage » que nous avait infligé la même émission à l’occasion du concert de Metallica, à Bercy également). Donc, foutu pour foutu, je me suis joint à quelques camarades improvisés pour gueuler aussi fort que possible devant la caméra. Na.

Ainsi se termine une très bonne soirée. Vivement la prochaine, que je puisse en profiter encore plus, et chanter à pleine voix sur « Blood Brothers » sans me contorsionner en deux toutes les trois minutes.

(les photos jointes ne sont pas celles du show d’hier soir, elles sont juste illustratives. J’éditerai l’article dès que j’aurais trouvé des photos du concert de Paris)